francesco
Rositani - Pittore – Opere – Quadri – Quotazioni – Ottone Rosai - Casa Museo –
Francesco – Cristina - Alberto Salietti -
http://www.brundarte.it/2019/12/06/picasso-lodola-mostra-arte-moderna-contemporanea-brindisi/
Milo Cattaneo (1940)
Pittore milanese che si esprime con opere astratte,
dai colori marcati, e primari.
Poeta visivo.
francesco Rositani - Pittore – Opere – Quadri – Quotazioni – Ottone Rosai - Casa Museo – Francesco – Cristina - Alberto Salietti -
Il principe Paolo (anche Pawel, Paul)
Troubetskoy II nacque in Italia, a Verbania-Intra da padre russo
(il diplomatico principe Pierre Troubetzkoy) e madre statunitense, la pianista Ada Winans.
Studiò scultura con Ernesto Bazzaro e Giuseppe Grandi e pittura
con Daniele
Ranzoni, ma fu in buona parte autodidatta.
Poliglotta, partecipe dell'aristocrazia
internazionale della Belle époque che seppe
splendidamente ritrarre nelle sue sculture, Troubetzkoy lavorò e risiedette in
Russia (insegnò all'Accademia Imperiale di Belle Arti di Mosca per
nove anni, dal 1897 al 1906), Francia (a Parigi, dove studiò a fondo l'opera
di Rodin,
e dove nel 1900 aveva vinto il Grand Prix), Inghilterra, Stati Uniti (prima a
New York nel 1911 e poi, dal 1914, a Hollywood), oltre che in Italia
(a Verbania-Pallanza esiste
ancora la Villa Troubetzkoy, dove tornò ad abitare nel 1932).
Morì a Verbania-Pallanza nel 1938.
Nobile di nascita e ricco, Troubetzkoy, pur
dimostrandosi un abile impresario della propria arte, non si trovò mai nella
necessità di lavorare come scultore per vivere, né amò mescolarsi ai movimenti
artistici contemporanei. Ciò finì per nuocere alla sua fama tra i critici e i
colleghi italiani, che ebbero buon gioco nel dargli l'etichetta, tuttora non
dissipata, di "ricco dilettante".
D'altro canto la sicurezza economica gli
permise di sviluppare in assoluta indipendenza uno stile personalissimo, senza
curarsi delle richieste dei galleristi, e tantomeno delle scuole artistiche del
periodo, nelle quali è oggi arduo riuscire ad inquadrarlo. Il suo stile
scultoreo è fatto di un nervoso "impressionismo", che ha origine
nella sua vicinanza giovanile a personaggi della Scapigliatura come il suo
maestro Francesco
Filippini, a cui dedicherà una scultura, a rapidi gesti di spatola
su un gesso molto liquido, dal quale il ritratto "prende forma" nella
parte del vertice contenente il volto, dove i gesti rallentano e i tratti
emergono da una specie di foschia, dovuta alla scelta costante del "non
finito" nella trattazione delle superfici.
Cultore di una scultura che privilegiava gli
aspetti intimistici e quotidiani, a volte dai tratti un po' melanconici, Troubetzkoy
ebbe difficoltà a veder riconoscere in Italia le sue capacità dalla committenza
pubblica.
Per questo le sue opere di maggiori dimensioni o si trovano all'estero, o sono
rimaste allo stato preparatorio di gessi.
Questi gessi oggi possono essere agevolmente ammirati perché da lui lasciati,
alla sua morte, al Museo
del Paesaggio di Verbania-Pallanza, che riserva un
intero piano all'esposizione della Gipsoteca Troubetzkoy.
Per la sua nascita Troubetzkoy frequentò la
migliore società del suo tempo e, fra i ritratti conservati nel Museo del
Paesaggio (eseguiti in buona parte all'estero), appaiono committenti come il
barone de Rotschild, il conte Robert
de Montesquiou, George
Bernard Shaw, Gabriele
D'Annunzio, Lev
Tolstoj, Arturo Toscanini, Enrico Caruso, personaggi
dell'alta nobiltà russa e della politica del tempo.
Accanto ad essi troviamo ritratti di colleghi
artisti (splendido il ritratto di Giovanni
Segantini, del 1896, collocato dalla famiglia sulla sua tomba), di
famigliari (sono numerosi i ritratti di bambini, o di padri e madri coi figli),
e di animali, che amò molto (era vegetariano) e che inserì con
frequenza nei suoi ritratti.
Un esempio della poetica intimista di Troubetzkoy è il Monumento
ai Caduti di Verbania-Pallanza, in bronzo (1922), che opera una scelta
nettamente anti-retorica del tutto insolita per il tempo.
Anziché raffigurare un caduto in atteggiamento eroico o marziale,
infatti, Troubetzkoy rappresenta una giovanissima e malinconica vedova, che
sovrasta inginocchiata la lapide che elenca i nomi dei caduti, e con una mano
lascia cadere alcuni petali di fiore sulla tomba che si immagina essere ai suoi
piedi. In braccio, un bimbo troppo piccolo per rendersi conto della tragedia
che l'ha colpito, si succhia il dito con innocenza.
Il gruppo bronzeo è collocato al livello degli occhi dei
passanti e non sopra un alto piedistallo.
Vero monumento ai "rimasti" e alle loro difficoltà,
più che ai caduti, piacque molto proprio per questo ai compaesani, ma non era
certo adatto a compiacere i gusti della retorica imperante nel primo
dopoguerra.
Troubetzkoy ha creato l'opera senza preoccuparsi delle esigenze
della committenza, alla ricerca del lato "umano" di Garibaldi, che
viene in quest'opera liberato dalla retorica.
Ma in questo sforzo sfugge allo scultore l'aspetto celebrativo
per cui nascevano opere come questa. Se ciò può avvicinare la sua arte al gusto
dello spettatore del XXI secolo, che è semmai infastidito dalla pompa degli
altri monumenti coevi, al tempo stesso candidava Troubetzkoy al rifiuto da
parte delle commissioni esaminatrici, che infatti gli preferirono altre
proposte.
Maggiore fortuna ebbe all'estero la
produzione monumentale di Troubetzkoy. La più nota delle sue opere di questo
tipo è la statua
equestre dello zar Alessandro
III a San Pietroburgo, nella quale però
l'artista si lasciò andare a un'impostazione "eroica" e magniloquente
di solito assente nelle sue opere. Ciò non impedì comunque che il monumento
provocasse aspre polemiche. Malgrado l'opera ricevette il placet dello Zar
Nicola essa, secondo l'autore ed il popolo che lo soprannominò
"ippopotamo", rappresentava una critica all'impero: un cavaliere
obeso opprime con il suo peso un cavallo recalcitrante; il cavaliere
rappresenta l'aristocrazia ed il cavallo il popolo.
L'opera fu inaugurata nel 1909 sulla Prospettiva
Nevskij vicino al terminale della Moskovskij Vokzal. Nel 1937 la scultura fu spostata sul retro
del Museo
Nazionale Russo, ma non fu danneggiata, a testimonianza della stima
di cui godeva in Russia l'arte di questo scultore.
Dopo la caduta dell'Urss il monumento
è stato spostato di fronte al Palazzo di Marmo, al livello del
suolo.
La parte maggiore delle opere realizzate in
Italia, se si eccettua il Monumento a Carlo Cadorna a
Verbania-Pallanza (in marmo), sono ritratti privati di personalità artistiche e
culturali dell'epoca, di medie dimensioni, o bronzetti di piccole dimensioni,
più adatte alla piccola committenza.
Il più famoso di questi ultimi (anche grazie
a una vicenda di riproduzioni multiple non autorizzate, che nel dopoguerra ne
ha moltiplicato gli esemplari in circolazione) è la statuetta nuda, alta 35
centimetri, di Constance Stewart-Richardson intitolata
"La danza" (il gesso originale è esposto al Museo
del Paesaggio).
Monumento a Giacomo Puccini
La scultura fu realizzata negli anni Venti, e donata dal Teatro
alla Scala al Comune di Viareggio, che decise di posizionarla sul Belvedere di
Torre del Lago.
·
Accademia di Brera, Milano, 1886.
·
Venezia, 1887.
·
Parigi Expo 1900 (gran premio). In: Art Institute of Chicago
·
Salon d'Autome (Parigi), 1904.
·
De Young Museum (busto di Michael de
Young).
·
Galleria Nazionale (Roma).
·
Biennale di Venezia del 1922. (Personale
di trentasette opere).
·
Wasp
Women Athletic Association (WWAA) 1938
Elenco dei musei ed enti che espongono opere dell'artista:
Paolo Troubetzkoy, Ritratto della
granduchessa Elizaveta
Feodorovna
1899, Museo
Nazionale Russo
·
Pinacoteca Tosio Martinengo, Civici Musei, Brescia
·
Cimitero, Dagnente, Arona (NO)
·
Cimitero monumentale, Milano
·
De Young Museum, San Francisco
·
Galleria nazionale d'arte moderna e
contemporanea, Roma
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Golden Gate Museum, San Francisco
·
Museo civico Floriano Bodini, Gemonio (VA)
·
Museo d'arte moderna, Lugano (CH)
·
Museo
del Paesaggio, Verbania-Pallanza
·
Museo dell'Accademia Ligustica di Belle Arti, Genova
·
Museo Diotti, Casalmaggiore (CR)
·
Museo Casa Natale di Michelangelo Buonarroti, Caprese
Michelangelo (AR)
·
Museo
Teatrale alla Scala, Milano
·
Raccolte Frugone, Villa
Grimaldi Fassio, Genova Nervi
·
Villa Belgiojoso Bonaparte-Museo
dell'Ottocento, Galleria d'Arte Moderna, Milano
·
Il Divisionismo. Pinacoteca Fondazione Cassa
di Risparmio di Tortona[2]
·
MVSA, Museo Valtellinese di Storia ed Arte,
Sondrio
francesco Rositani - Pittore – Opere – Quadri – Quotazioni – Ottone Rosai - Casa Museo – Francesco – Cristina - Alberto Salietti -
francesco Rositani - Pittore – Opere – Quadri – Quotazioni – Ottone Rosai - Casa Museo – Francesco – Cristina - Alberto Salietti -
Nato da genitori siciliani, il padre Antonio commerciante in tessuti, la madre Ersilia, casalinga (il nonno paterno Luigi Margutti fu un noto tenore). Da bambino studia pianoforte, passione che non ha mai abbandonato; consegue il diploma di ottico presso l'istituto Feltrinelli. I primi rudimenti sulla pittura (1948-1950) gli vengono impartiti da un pittore amico di famiglia, Giuseppe Pappalardo, che gli mette a disposizione il proprio studio con esclusione dei materiali che il giovane Viola acquistava con i proventi derivanti da disegni realizzati per alcuni produttori di stoffe conoscenti del padre. Conosce e frequenta Filippo de Pisis.
Nel '56, apre il suo primo studio in Via Stadera a Milano, i suoi lavori si concentrano sulle nature morte, e paesaggi milanesi. Nel 1958 si reca a Parigi, visita i musei, studia i grandi impressionisti francesi, i post-impressionisti; rimane particolarmente affascinato dalla pittura di Van Gogh. Di ritorno in Italia, con alcune opere realizzate in Francia, partecipa all'inaugurazione della sua prima mostra personale alla Galleria “ Il Prisma” di Milano, nell'occasione conosce Carlo Carrà. Inizia l'alchimia, mix di sabbie, colore, colle, lo portano a creare volti dal sapore vissuto, i paesaggi marini prendono vita con la sabbia.
Il 25 marzo del 1961 sposa a Milano Gabriella Emanuela Gandola, unico grande amore e musa ispiratrice che il 30 giugno dello stesso anno darà alla luce il figlio Fabio. Nel '62 apre il suo secondo studio in Via Neera a Milano, studia tutta l'opera di Picasso, conosce Giacomo Manzù. Nel 63 la seconda personale alla Galleria Schettini; Il 6 dicembre 1964 nasce la figlia Paola.
La sua innata spontaneità lo porta a dipingere “en plein air” creando opere dall'impatto materico che daranno a Viola l'unicum per quelle tematiche. Nel '68 conosce Dino Buzzati il quale dedicò un racconto a Viola intitolato “il pittore Viola dipinse un giorno un cavallino”. Esce la sua prima monografia presentata da Dino Buzzati e Mario Portalupi.
Divenne caposcuola dell'Imagismo pittorico[1], corrente nata dalla trasposizione della poetica imagista di Ezra Pound (1885-1972) che rimase confinata per un cinquantennio nel mondo letterario, finché nel 1969, grazie all'incontro e all'amicizia tra Giuseppe Viola e Dino Buzzati diede vita al Manifesto “Imagismo Pittorico” – simboleggiato dall'opera “La lotta dell'uomo”. Iniziano le opere “collage”; Viola utilizzerà per realizzare i suoi dipinti dalle forme geometriche radica, vetro, pelle, plastica.
Come nei principi del linguaggio poetico di Ezra Pound, l¹IMAGISMO PITTORICO vuole rompere con ogni schema e ogni forma di linearità di espressione.
Nel ‘71 La Chiesa Sant'Antonio da Padova in Piazza Tre Martiri a Rimini commissiona ad Achille Funi e a Giuseppe Viola dei dipinti per l'interno della Chiesa. Per l'occasione Giuseppe Viola realizza due grandi pannelli di mt. 4,00x2,00 raffiguranti i due miracoli di San Francesco da Paola; il primo rappresenta il Santo che utilizzando solo il suo mantello attraversa lo stretto di Messina mentre il secondo mostra come a palazzo Re Ferdinando spezzando una moneta d'oro ne fa scaturire del sangue. Il soggiorno a Rimini, il suo porto, i pescherecci, la gente, lo spingono interiormente a dare forma ai suoi “pescatori con le reti”. Viaggiando a New York, presenzia alla sua personale alla “King Gallery”. Nel '71 muore il padre Antonio. Riceve alla Biennale d'Arte Contemporanea della città di Rimini, la laurea “Honoris Cause”. 28 gennaio 1972 morte dell'amico Dino Buzzati.
Viola era instancabilmente innamorato della vita, dei suoi simili, delle loro storie personali, come delle grandi vicende umane. E instancabilmente raccontava tutto nelle sue opere. Nel 1973 il Comune di Milano gli commissiona una collezione sulla seconda grande guerra; nel 1975 porta a compimento la collezione “Museo della Resistenza” ovvero 12 opere di grandi dimensioni che saranno poi inaugurate presso il palazzo civico di Via Boifava a Milano e rimarranno fino al 1986. Nel 1976 realizza l'opera “L'Amore della Vita” che viene donata ed esposta al Museo d'Arte Moderna della Città del Vaticano; 1977 mostra personale alla galleria Santo Stefano di Milano dal tema “Riccione vista da Viola” , gemellaggio tra il Comune di Milano e quello di Riccione; mostra personale al Palazzo del Turismo di Riccione. Nel 1978 presentazione della monografia “Giuseppe Viola” alla galleria Renzo Cortina di Milano. Amante della “gente” il suo studio nel cuore di porta Ticinese a Milano lo porta ad incontrare i “venditori di castagne” che ritrarrà spesso, così come gli amici del bar “giocatori di carte”, queste tematiche saranno per Viola opere dalla continua evoluzione, sia per dimensioni che per cromatismi e per le differenti tecniche di esecuzione.
Dal 1980 parallelamente alla pittura si dedica alla scultura, realizzando diverse fusioni in bronzo e argento; note “Il Risveglio del gallo”, esposto per la prima volta alla galleria “Nuovo Sagittario” di Milano, “il rodeo” e la “Crocifissione”, fusione in argento successivamente donata a Papa Benedetto XVI nel maggio 2006.
Numerosi i suoi viaggi in Sicilia per rincontrare la sua mediterraneità; dipinge “La raccolta di limoni”, “Nell'agrumeto”, non basterà il ritorno e la vita a Milano per fargli dimenticare le sue origini.
Dal 1990- 1994 significativo viaggio in Spagna dove porta a termine una serie di chine e gouache realizzate dal vero sul tema della corrida, opere preliminari a lavori di grande formato olio su tela realizzati poi sullo stesso soggetto, adoperando anche stoffe oltre al colore. Studia così l'esultanza della gioia che vince il dramma e la suspense delle donne che sperano nella buona fortuna di chi, torero per destino, ne potrà pagare lo scotto anche a prezzo del sangue. Realizza la scultura in bronzo “Don Chisciotte”.
16 luglio 1998 viene a mancare la moglie Gabriella, inseparabile compagna, quindi trascorre due anni in evidente stato depressivo; solo l'arte e la grande dedizione per il suo lavoro riescono a ricondurlo ad un'esistenza sociale e stimolante. Spesso si rifugia nella sua abitazione-studio in montagna dove dipingendo la natura si riconcilia con essa. Rinasce così la sua vena artistica che lo porta a progettare e realizzare opere di grande spessore legate alla fede ed alla religiosità. Grazie alla continua ricerca di nuovi stimoli riprende la lavorazione della ceramica iniziata negli anni '70, realizzando vasi e composizioni dai tratti tipicamente “ Imagisti”.
Nel 2006 importante incontro nel Castello di Brunnenburg di Mary De Rachewiltz Pound (figlia del poeta Ezra Pound) la quale in una sua lettera a Giuseppe Viola recita: “Giuseppe Viola è uomo assorto che ab imo trae il nutrimento per la sua opera. Arte è quello che l'artista crea e nessun giudizio critico può alterarne il benché minimo tratto. Parlando del rapporto che si può stabilire fra l'IMAGISMO di Viola e quello di Pound, conviene iniziare dalla fine, dalla fase contemplativa, quando non servono ormai né parole né colori …”.
Nel 2006 il Comune di Napoli patrocina un'antologica nelle Sale delle Prigioni di Castel dell'Ovo. 2007 partecipa con tre opere alla "Stemperando", mostra biennale collettiva di opere su carta a cura di Giovanna Barbero. La salute inizia a procurargli qualche fastidio, ciò nonostante continua a dipingere per ore in piedi. I colori nei suoi quadri diventano sempre più forti come a voler sconfiggere il dolore. Nel 2009 ha un arresto cardiaco dal quale si riprenderà, ma rimane profondamente colpito ed ora i suoi dipinti sono mistici e quasi sempre dalle molteplici tonalità del blu.
Come il padre Antonio soffriva di diabete, malattia cominciata in sordina per poi giungere alla dialisi finale che si rifiutò di sostenere poiché pensava che non avrebbe più potuto dipingere, per lui vitale necessità. Il giorno prima di morire ha detto “domani non faccio la dialisi neanche morto” e così è stato, muore la notte del 23 agosto 2010. Rimane incompiuta l'opera per una nuova città imagista.
